موسیقی رنسانس

موسیقی رنسانس (تولد دوباره) به عنوان یک جریان فکری پیچیده شناخته می‌ شود. که در طول قرن چهاردهم تا شانزدهم میلادی، در اروپا تأثیر قابل ملاحظه‌ ای داشت. این جنبش در ایتالیا آغاز شد. و با کشف مجدد ارث نیکون رومی و یونانی و الهام‌گیری از آنها شکل گرفت. ایتالیایی‌ ها امیدوار بودند تا بتوانند گذشته گرانبهای خود را بازسازی کنند. این ایده واقع‌ گرایانه نبود و از نظر سیاسی به موفقیتی دست نیافت. در پایان دوره رنسانس، به جای تبدیل شدن ایتالیا به امپراتوری روم، درگیر جنگ‌هایی شد که از سده‌های میانه آغاز شده بودند. با این حال، احیای فرهنگ رومی و یونانی، ارزش‌های جدیدی را به همراه داشت.

ابتدا در ایتالیا و سپس در سراسر اروپا. رنسانس می‌ توانست به عنوان دوره‌ای از کشف جهان تشبیه شود، زمانی که کلمب، ماگلان، داوینچی، کوپرنیک، گالیله و شکسپیر ظهور یافتند. با تصاحب امپراتوری‌های اسپانیا در آمریکای لاتین در اواخر قرن پانزدهم و ورود انگلیس به آمریکای شمالی در اوایل قرن هفدهم، دیگر سرزمین‌ های ناشناخته‌ای برای اروپایی‌ها باقی نماند.

جامعه سده‌ های میانه به عنوان یک جامعه پایدار، محافظه‌ کار، استبدادگرا و خدا‌محور شناخته می‌ شد. در عوض رنسانس زمینه‌ ساز تغییراتی برای دنیای پویای امروز غربی شد، دنیایی که در آن طبیعت و انسان به جای خدا به معیار فلسفه، علم و هنر تبدیل شدند. هنرمندان دوره رنسانس برای هماهنگ شدن با نیازها و خواسته‌های مردم، تلاش فراوانی کردند. آنها برای برآورده کردن این آرزو، به تفسیری جدید از دنیای اطراف خود پرداختند. معماران با جهان فضا و سنگ، نقاشان با جهان تصویر و موسیقیدانان با جهان صدا ارتباطات جدیدی برقرار کردند.

بحث ما در این مقاله به بررسی رویکرکت موسیقی‌ دانان رنسانس می‌ پردازد. موسیقی‌ دانان قرن‌ های پانزدهم و شانزدهم به ما در درک این دوره کمک‌ های بسیاری می‌ کنند. و البته برای جامعه امروز نیز درس‌ های قابل توجهی دارند. ما در دورانی زندگی می‌ کنیم که تغییرات فناورانه، اجتماعی و فلسفی بزرگی را تجربه می‌ کند، مانند دوره رنسانس.

پارافریز

یکی از ویژگی‌های طرز تفکر رنسانس در موسیقی قرن پانزدهم، تجدید نظر در سرودهای کلیسایی در آثار پلیفونیک بود. به نظر می‌رسد که آهنگسازان قرون وسطی در زمان ساخت آرگانوم‌ها یا موتت‌های ایزوریتمیک – تا زمانی که از آوازهای سنتی و مذهبی استفاده می‌کردند – ترسی از تغییر ملودی نداشتند. آنها تمرکز خود را بیشتر بر روی کنترپوانت‌ها قرار می‌دادند و سروده‌ای با متر آزاد را با ریتم دلخواه تنظیم می‌کردند. اما آهنگسازان رنسانس نیازی به استفاده اجباری از سرودهای کلیسایی نمی‌دیدند. اگر هم از آنها استفاده می‌کردند، آن را برای جذابیت صوتی و نه برای تقویت ساختار پلیفونیک می‌کردند.

آنها سرودهای کلیسایی را با نت‌های جدید تزئین می‌کردند، با ریتم‌های نوآورانه به آنها زیبایی می‌بخشیدند و بخش‌هایی که به نظر آنها قدیمی و نامطابق می‌آمدند را تغییر می‌دادند. این فرایند را می‌توان “پارافریز” نامید. به عنوان مثال، قطعه “Ave maris stella” که اصلاحیه‌ای از آواز گرگوری است و با استفاده از تکنیک پارافریز بازسازی شده است، را می‌توانیم مشاهده کنیم.

آغاز هوموفونی در موسیقی رنسانس

آهنگسازان رنسانس با استفاده از پارافریز، تمرکز خود را بر جنبه‌های احساسی و پرطنین سرودهای کلیسایی Sonorous قرار دادند، به جای تاکید بر طبع تحکمانه آنها. این تغییر در رویکرد نسبت به موسیقی در دوران رنسانس، نمایانگر حساسیت جدید نسبت به سونوریته و ملودی بود. آهنگسازان، سرودهای کلیسایی را به ملودی‌های مدرن با ویژگی‌های جذاب‌تر تبدیل کردند و ملودی را از بخش‌های پلیفونی نشان‌دهنده بالا آورده و در قسمت سوپرانو قرار دادند تا به طور واضح‌تر شنیده شوند. می‌توان در این اقدام، مقدمات هوموفونی را مشاهده کرد.

در قرن پانزدهم، برای اولین بار موسیقی هوموفونیک – موسیقی‌ای که از بافت آکوردی تشکیل شده است – جایگاهی به دست آورد. در پارافریزهای ساده‌تر سرودهای کلیسایی، ملودی معمولاً در کنار قسمت همراهی‌کننده برجسته می‌شد و ویژگی پلیفونیک را نداشت. با این حال، صداهای پلیفونیک همچنان وجود داشتند، اما با حرکت خطوط و تشکیل آکوردهای ساده، استقلال آنها از بین می‌رفت. این همراهی ملودی در رجیستر بالا و همراهی هارمونی، نشان‌دهنده برتری احساس‌برانگیزی موسیقی بر روی فکر پلیفونیک در ذهن آهنگسازان رنسانس بود.

مس، موسیقی رنسانس

رویکرد جدید نسبت به سرودهای سنتی در دوره رنسانس به وضوح نشان‌دهنده برخورد آزادانه‌ی آهنگسازان با دیدگاهی که در قرون وسطی حاکم بود. در این دوره، آهنگسازان از تکنیک پارافریز به طرز فراوانی استفاده می‌کردند و در مواجهه با سنت‌های گذشته، آزادانه و خلاقانه اقدام به تغییرات و تجدید نظر می‌کردند. علاوه بر این، در برخی موارد، آهنگسازان از ایزوریتم نیز به طور محدود استفاده می‌کردند. به عنوان مثال، در قرن چهاردهم، آهنگسازانی مانند ماچو حتی در قطعات عاشقانه نیز از ایزوریتم بهره بردند.

آهنگسازان رنسانس به شیوه‌ای ساده‌تر در ساخت قطعات پولیفونیک یا آوازها عمل می‌کردند و از این روش حتی برای متون مقدس نیز استفاده می‌کردند، از جمله بخش‌هایی از مس. آن‌ها تمایل داشتند به جای تزیین، با استفاده از موسیقی جدید، سرودها را زیباتر و جذاب‌تر کنند. این رویکرد نه تنها در ترویج قطعات موسیقی بلکه در اجراهای مذهبی نیز مورد توجه قرار می‌گرفت. در نتیجه، سرودها با طرز ساده‌تری اجرا می‌شدند و با متون مقدس هماهنگی داشتند، از جمله بخش‌هایی از مس.

موسیقی رنسانس

موسیقی رنسانس متأخر

با شروع قرن شانزدهم، روش جدیدی برای نوشتن موتت‌ها، مس‌ ها و ترانه‌ ها به کار گرفته شد که تا آخر همین سده سلطه‌ اش را حفظ کرد. شاخصه‌ ی اصلی این شیوه‌ ی رنسانس متأخر، استفاده‌ ی ترکیبی از دو بافت موسیقی هوموفونی و کنترپوآن تقلیدی بود.

بیشتر آثار پولی‌ فونی در آغاز قرن پانزدهم غیر تقلیدی بودند، اما در سده‌ی بعد روش تقلیدی بر پولی‌ فونی حاکم شد. این تغییر شگرف تا حد زیادی به این واقعیت بازمی‌گردد که روش تقلیدی، بازتابی از ایده‌آل‌های تعادل و میانه‌روی رنسانس است. در هنر‌های تصویری رنسانس متأخر نیز شاهد آن هستیم.

رنگ صوتی محبوب در این دوره، به‌ خصوص برای موسیقی مذهبی، اجرای آکاپلا بود. تمپو و دینامیک در طول اجرای قطعات تغییری نمی‌ کرد. ریتم بسیار سیال و بدون تأکید اضافی پیش می‌رفت. خط ملودی عموماً خیلی بالا یا پایین نمی‌رفت و معمولاً تعادل در حرکت ملودی برقرار بود. این شکل موسیقی برای رقص مناسب نبود و ملودی‌های ساخته‌شده هم به‌یادماندنی نبودند. موسیقی رنسانس متأخر ممکن است برای بعضی از شنوندگان امروزی مبهم به نظر برسد، اما اگر با دقت بیشتری به موسیقی و صدالبته کلام آن گوش دهیم، ظرفیت بیانی و حس عمیق آن برای ما واضح‌تر می‌ شود.

معرفی ساز عود یا بربط

اگر به یادگیری سازهای قدیمی و اصیل علاقه‌مند هستید، بهتر است به ساز عود و یا بربط مراجعه کنید. این سازها علاوه بر استقبال قوم‌های شرقی، در بین اقوام غربی و سایر کشورها نیز طرفداران خاصی دارند. قبل از شروع به یادگیری این ساز، در این مقاله همه چیز درباره ساز عود را بررسی کرده‌ایم تا بتوانید این ساز محبوب را به عنوان ساز آموزشی خود انتخاب کنید.

ساز عود یک ساز زهی زخمه‌ای است که طول آن حدوداً 85 سانتی‌ متر است. و دسته‌ ای کوتاه دارد. این ساز با یک کاسه بزرگ و شکلی گلابی‌ شکل طراحی شده است و بدلیل عدم وجود پرده‌بندی، باید به طور دقیق یاد بگیرید تا بتوانید آن را به درستی نوازش کنید. ساز عود دارای 10 تا 13 سیم است و از چوب آبنوس یا توت ساخته می‌شود.

تاریخچه ساز عود یا بربط

یکی از سازهای قدیمی شرقی، ساز عـود است که محل پیدایش اولیه و اصالت آن هنوز مشخص نیست. برخی از افراد بر اساس تصاویر حکاکی شده و آثار باستانی، باور دارند که این ساز بلخی یا هندی است، در حالی که برخی دیگر معتقدند که ساز عود ایرانی است؛ زیرا در دوره‌های ساسانی و اشکانی، در مناطق مختلف ایران پراکنده بود.

زمانی که دین اسلام گسترش یافت، سـاز عود در کشورهای عربی نیز شناخته شد و ارزشیابی شد. مهم است بدانید که بربط از چوب پوشیده شده است و در زبان عربی به عود معروف است. شکل ظاهری این ساز به شکل یک مرغابی است که سینه خود را به سمت جلو پهلو می‌دهد و گردنی کوتاه دارد، به همین دلیل با نام “بربط” شناخته می‌شود. البته برخی از افراد باور دارند که نام ساز از “باربد”، نوازنده‌ای که در دوران خسرو پرویز وجود داشت، گرفته شده است. در کشورهای اروپایی، این ساز نیز با نام “لوت” شناخته می‌شود.

همه چیز در مورد ساز عود و نت نویسی آن

ساز عود، یک ساز زهی زخمه‌ای است که با شکلی گلابی و بزرگ در قسمت شکم طراحی شده است. دسته‌ای کوتاه و بدون پرده باعث می‌شود یادگیری آن نسبتاً دشوار باشد. سـاز عـود دارای ده سیم است که به صورت جفت جفت قرار داده شده‌اند و به عنوان یکی از بم‌ترین سازهای زهی شناخته می‌شود. صدای این ساز بم، نرم، جذاب و بسیار قوی است.

نت‌نویسی ساز عود بر اساس کلید سل انجام می‌شود و به منظور راحتی در نوشتن و خواندن، یک اکتاو بالاتر از کلید فا در نظر گرفته می‌شود. علاوه بر این، ساز عود دارای وسعت صوتی دو اکتاو است و با توجه به دسته‌ی کوتاه، یک اکتاو و نیم از محدوده صوتی وسط، صداهای بسیار بهتر و مناسب‌تری تولید می‌کند. همچنین، ساز عود می‌تواند به صورت تکنوازی و هم‌نوازی، صدایی فوق‌العاده داشته باشد.

اجزای سازنده ساز عود

در زیر تمام قسمت های مختلف ساز عود را بررسی کرده ایم تا قبل از شروع یادگیری با این ساز آشنا شوید.

• کاسه طنینی

قسمت شکم ساز عود، به شکلی گلابی مانند است و با استفاده از تکه‌ چوب‌ های به هم پیوسته، یک کاسه طنینی بزرگ تشکیل می‌ دهد. در این ناحیه، بخش بسیار زیادی از طول سیم‌ها قرار داده می‌ شود. قسمت شکم ساز عود، با استفاده از صفحه رویی از جنس چوب درخت کاج ساخته شده است؛ زیرا این جنس چوب صدای بهتری تولید می‌کند. روی این صفحه، دایره‌هایی مشبک قرار گرفته است که از جنس استخوان ساخته شده‌اند و صدایی فوق‌العاده ایجاد می‌کنند.

• پل

• خرک

• دسته

ساز عود دارای دسته‌ای کوتاه از جنس چوب است. در گذشته، دستان ساز بر روی این دسته قرار می‌گرفت، اما امروزه بی‌دستان است و دارای قطری حدود ده سانتیمتر است.

• سرپنجه

ساز عود دارای یک محفظه‌ ای جعبه‌ مانند است که تو خالی است و در ابتدای دسته قرار دارد. این محفظه به عنوان سرپنجه شناخته می‌ شود. و مکان قرارگیری گوشی‌ ها را ایجاد می‌کند. در هر طرف سرپنجه، پنج گوشی قرار دارد.

• شیطانک

• وتر

ساز عود دارای 10 وتر است که به صورت جفت جفت با هم کوک شده‌اند. وترها از جنس سیم نایلونی، ابریشم و یا روده گوسفند ساخته شده‌اند و دارای ضخامت‌های متفاوتی هستند.

• مضراب

همه چیز در مورد ساز عود  و نحوه نواختن آن

نوازندگان مشهور ساز بربط

کلام آخر

انواع موسیقی محلی در ایران

انواع موسیقی محلی در ایران، در پشت پرده موسیقی محلی و بومی، خاطراتی تلخ و شیرین نهفته‌اند که به یادآوری لحظات شیرین کودکی، نوجوانی، جوانی و حتی بزرگسالی و کهن‌سالی می‌پردازند. موسیقی محلی هر یک از استان‌های عزیز ایران، در قلب، روح و جسم هر فردی، چه ایرانی و چه غیر ایرانی، نفوذ می‌کند و این خود، معنای معجزه و تأثیر آن در روح و جان ما را نشان می‌دهد. موسیقی‌های بومی و محلی هر استان ایران به تنهایی شنیدنی و جذاب هستند. این موسیقی‌ها قدمت طولانی دارند و برای هر ایرانی اهمیت بالایی دارند؛ زیرا موسیقی با پوست، خون و گوشت هر ایرانی آمیخته شده است.

تقسیمات استانی برای موسیقی‌ محلی ایران

نقش موسیقی بومی و محلی در جذب گردشگر

گردشگری یکی از عوامل حیاتی برای اقتصاد کشور محسوب می‌شود. عوامل بسیار زیادی در جذب گردشگران تأثیرگذار هستند و یکی از مهم‌ترین این عوامل، موسیقی بومی و محلی است. موسیقی و گردشگری با یکدیگر ارتباط نزدیکی دارند، به طوری که موسیقی بومی و محلی، تجربه‌ای از فرهنگ و هویت یک منطقه را برای گردشگران و بازدیدکنندگان فراهم می‌کند. ایران، کشوری است با فرهنگ‌ها و آداب و رسوم غنی که می‌تواند از طریق موسیقی محلی، که خود یک بخش از فرهنگ بومی است، توجه گردشگران بین‌المللی را به خود جلب کند. موسیقی بومی و محلی ایران نقش مهمی در شناخت این سرزمین برای سایر کشورها دارد و به عنوان یکی از هنرهای پرطرفدار ایرانیان شناخته می‌شود. متأسفانه، بسیاری از ما در استان‌هایی با تاریخچه و فرهنگ غنی زندگی می‌کنیم، اما اطلاعات کمی درباره فرهنگ بومی خود داریم.

موسیقی محلی استان گلستان

موسیقی محلی ترکمنی

موسیقی محلی کتولی

موسیقی محلی استان گیلان

موسیقی محلی استان گیلان با شرایط زندگی مردم این منطقه ارتباط مستقیمی دارد. این نوع موسیقی باعث ایجاد همبستگی بین نسل‌ها و آگاهی نسل‌های کنونی نسبت به غنای فرهنگی گذشتگان خود می‌شود. موسیقی استان گیلان به سه دسته اصلی تقسیم می‌شود که در زیر به بررسی آن‌ها می‌پردازیم.

1. موسیقی لنگرودی: این نوع موسیقی از طریق سنتور، کمانچه، سازهای پرکاشن و آوازهای محلی به وجود می‌آید. موسیقی لنگرودی بیشتر برای مراسم و جشن‌های محلی استفاده می‌شود و احساسات و هویت مردم لنگرود را به خوبی بازنمایی می‌کند.
2. موسیقی تالشی: این نوع موسیقی با استفاده از سازهایی مانند تنبک، دف و سازهای بادی محلی مانند شوبز و نی تالشی اجرا می‌شود. موسیقی تالشی بیشتر برای ارائه آوازهای ملایم و رقص‌های سنتی استفاده می‌شود.
3. موسیقی رودباری: این نوع موسیقی با استفاده از سازهایی مانند سنتور، گیتار، تار و آوازهای محلی رودباری اجرا می‌شود. موسیقی رودباری بیشتر برای ایجاد احساسات عمیق و بیان داستان‌ها و افسانه‌های مردم رودبار استفاده می‌شود.

این سه دسته از موسیقی محلی استان گیلان نمونه‌های بارزی از ثروت فرهنگی و هنری این منطقه هستند و نقش مهمی در حفظ و انتقال ارزش‌های فرهنگی به نسل‌های آینده دارند.

موسیقی محلی دیلمان

موسیقی محلی تالش

در استان گیلان، به ویژه در منطقه تالش، موسیقی بومی و محلی الهام گرفته از طبیعت بکر این منطقه است. موسیقی تالشی به سه دسته اصلی تقسیم می‌شود: “قدیم دستان”، “تالش دستان” و “تازه دستان”. در زبان محلی، به این دسته‌ها با نام “دستون” اشاره می‌شود که به معنای نغمه و آواز است.

موسیقی تالشی بسته به مناسبتی که برای آن نواخته می‌شود، کاملاً متفاوت است. به عنوان مثال، “کشتی مقام” نامی است که در زمان برگزاری مسابقات کشتی‌گیری اجرا می‌شود و “عروس بران” نامی است که در زمان همراهی عروس به خانه داماد نواخته می‌شود. این نوع تنوع و تطبیق موسیقی با رویدادها و مناسبت‌ها، غنیمتی است که در موسیقی تالشی حضور دارد.

موسیقی گلیکی

موسیقی محلی مازندرانی

موسیقی سنتی استان مازندران به دو دسته آوازی (کلام) و سازی (بدون کلام) تقسیم می‌شود. در آوازی، سه بخش حماسی، تغزلی و آیینی وجود دارد. بخش حماسی، از جمله معروف‌ترین آوازهای مازندرانی، مانند موسیقی حماسی منطقه سوت یا سورت است که به قدمت چند صد ساله برخی از آنها اشاره می‌کند. بخش تغزلی، با موضوعاتی مانند عشق، دلدادگی و طبیعت در ارتباط است، و بخش آیینی مربوط به نواهایی است که در زمان نوروز و تعزیه نواخته می‌شوند.

در موسیقی سازی نیز، برخی از قطعات قدیمی‌ترین قطعات موسیقی مازندرانی را تشکیل می‌دهند که به نوازندگی دامداران مربوط می‌شوند. کمرسری و میش حال نام برخی از این قطعات هستند که با استفاده از ساز “لَلِوا” نواخته می‌شوند. همچنین، دهل، نقاره، لَلِوا، دسرکوتن، دوتار، کمانچه و دشت‌لاکی از معروف‌ترین سازهای موسیقی بدون کلام مازندرانی هستند. این سازها بخشی از ثروت موسیقی مازندرانی را تشکیل می‌دهند.

موسیقی محلی استان فارس

• سورنا: سورنا نوعی ساز بادی است که از چوب ساخته شده‌ است. این ساز تقریبا در بسیاری از مناطق کشور دیده می‌شود.
• کورنا: ساز کُرنا در واقع شبیه به سورنا است با این تفاوت که ساز کرنا طول بیشتری دارد و شبیه به شیپور است.
• دونای یا نی‌جفت: این ساز مخصوص استان فارس است که نواهای شاد و شنیدنی را تولید می‌کند.
• نی‌لبک: استفاده از ساز نی‌لبک معمولا در بین عشایر استان فارس بسیار مرسوم است.
• تار: از معروف‌ترین آلات موسیقی استان فارس است که معمولا در بین قوم‌های بخش شمال‌غرب این مورد استفاده قرار می‌گیرد.
• کمانچه: ساز کمانچه مخصوص ترک‌های قشقایی استان فارس است که هنرمندان ماهری در نواختن کمانچه دارند.
• دایره: نواختن دایره معمولا برای جشن‌های عروسی کاربرد دارد.
• نقاله: در واقع نقاره ظاهری شبیه به طبل دارد اما طبل نیست. نقاره شامل دو وسیله کاسه‌ای شکل است که دور سر آن را با پوست حیوانات پوشانده و با کشی مخصوص دور آن را محکم می‌کنند، سپس با دوقطعه چوب شروع به نواختن می‌کنند.
• دهل: دهل هم یکی از آلات موسیقی پر کاربرد در ایران است. دهل معمولا در گذشته برای بیان خبر و در مراسم‌های عروسی و شادی مورد استفاده بوده است. هم اکنون نیز جزو یکی از آلات موسیقی شیراز در دسترس است.

موسیقی محلی استان بوشهر

موسیقی محلی استان بوشهر یکی از دسته‌های موسیقی است که شور و حال خاصی را به همراه دارد. این نوع موسیقی دارای یک تاریخچه بسیار قدیمی است و برخی از آلات موسیقی مورد استفاده در آن عبارتند از: سنج، دمام، بوق، نی‌انبان، ساز لیوا بوشهری، عود، نی جفتی و دهل. یکی از جوانب جالب درباره موسیقی بوشهری این است که استفاده از این آلات به همه اجازه داده نمی‌شود و به صورت ویژه در مراسم‌های خاصی که عناوین خاص خود را دارند، استفاده می‌شود. در ادامه، برخی از مواردی که در این مراسم‌های خاص استفاده می‌شوند عبارتند از:

• بزله‌ خوانی

بزله‌ خوانی در واقع از آن دسته موسیقی‌هایی است که هم در مراسم عزا و هم در مراسم جشن با کمی تفاوت در متن خوانده و اجرا می‌ گردد. بزله‌ خوانی به جمع شدن افراد و سپس خواندن یک فرد مشخص گفته می‌شود.

• شروه‌ خوانی

این نوع موسیقی و آوا آنچنان قدمت طولانی ندارد، اما به دوران استاد فایز دشتی (شاعر دوبیتی سرای جنوب ایران) باز می‌ گردد. در حقیقت شروه ریشه در رنج و سختی مردم استان بوشهر دارد که در ابیات استاد دشتی مشهود است. این موسیقی از بهترین و شنیدنی‌ترین انواع موسیقی در جنوب کشورمان به شمار می رود.

• چاووش‌ خوانی

این نوع موسیقی برای افرادی که راهی سفر حج و زیارت هستند خوانده می‌شود. چاووش‌خوانی در دستگاه چهارگاه (یکی از دستگاه‌های موسیقی ایران) اجرا می‌شود.

موسیقی محلی استان سیستان و بلوچستان

موسیقی بومی و محلی استان سیستان و بلوچستان از جمله زیباترین انواع موسیقی محلی در ایران است. موسیقی‌های بومی و محلی استان سیستان و بلوچستان به دو دسته موسیقی بلوچی و سیستانی تقسیم می‌شود.

موسیقی بلوچی

این موسیقی آمیخته در زندگی، غم، شادی و فرهنگ مردم بلوچ است. از انواع موسیقی‌ های بلوچی میتوان به موارد زیر اشاره نمود.

• نعت غزل

این موسیقی همان موسیقی‌‍‌های عرفانی بلوچی است. یکی از نوازندگان معروف در این حوزه «مرشد محمدجان پیرآبادی» نام دارد. معمولا برای نواختن این موسیقی از ادوات رباب و تنبورک استفاده می‌شود.

• سوت و نازیک

موسیقی سوت و نازیک نواهای شاد و لذت‌بخشی است که همراه با صداهای دلنشین خوانندگان نواخته می‌شود. ترانه‌های سوت بسیار متنوع هستند و مفاهیم زیبایی چون عشق، طبیعت، شور و نشاط جوانی از آن‌ها استنباط می‌شود. موسیقی نازیک برخلاف موسیقی سوت از تنوع زیادی برخوردار نیست و معمولا در مراسم‌های عروسی خوانده می‌شود.

• سپت یا سهت

این نوع آواز توسط زنان بلوچ، برای سرگرم کردن زنی که تازه بچه به دنیا آورده است، خوانده می‌شود.

• آلات موسیقی بلوچی شامل

قیچک، تنبوک، رباب، بنجو، نی، دو نی، دهل، دوکر، طبلک، تشت کوزه، چنگ و سیمرغ است.

موسیقی سیستانی

موسیقی سیستانی اصالت بسیار زیادی دارد. موسیقی سیستانی با نواهای شورانگیز و دوبیتی‌های زیبا بسیار شنیدنی است. رباب، دکر و تمبورک و قیچک از آلات موسیقی سیستانی هستند. ابراهیم حدیدی یکی بهترین نوازندگان موسیقی سیستانی است که در بین مردم سیستان ملقب به گل آقا بوده که در سال 1396دار فانی را وداع گفته ‌است. آلات موسیقی سیستانی شامل موارد زیر است:

• دایره: دایره یا داره از جمله آلات موسیقی کوبه‌ای است که به آن دَف نیز می‌گویند. معمولا استفاده از این ساز به دست بانوان و در مراسم‌های عروسی است.
• قیچک: قیچک از دسته سازهای زهی است (سازهایی که صدا از لرزش تار و سیم به وجود می‌آیند) که تا نام آن به میان می‌آید موسیقی سیستانی را هم یادآور می‌شود. قیچک سازی شبیه به کمانچه است و با آرشه روی آن می‌نوازند. یکی از نوازندگان معروف این ساز در سیستان، حبیب‌الله قادر آتشگر نام دارد.
• ساز و دهل: ساز شبیه به سورنا است و دهل نیز طبلی بزرگ و دو رویه است که معمولا از این دو ساز در مراسم‌های عروسی و شادی استفاده می‌کنند.

موسیقی محلی خراسانی

موسیقی خراسانی آمیخته از نجواها و سازهای عاشقانه‌ و حماسی است که با زندگی مردمان خراسان در هم آمیخته است. با بهترین‌های موسیقی خراسان آشنا شوید.

موسیقی محلی خواف

موسیقی هر منطقه در واقع روحیات و احساسات آن منطقه را نشان می‌دهد. موسیقی بومی و محلی شهر خواف نیز از این قاعده مستثنی نیست. موسیقی‌های منطقه خواف معمولا درباره کار و فعالیت، جنگ و دلاوری، عشق، معرفت و… است. در ادامه به بررسی سه مورد از انواع موسیقی‌های معروف شهر خواف می‌پردازیم.

• نوایی: این موسیقی فقط مخصوص شهر خواف نیست، بلکه مربوط به کل استان خراسان است. موسیقی نوایی در واقع نوعی چاووش‌خوانی است که در زمان مراسم خوش‌آمدگویی حجاج خوانده می‌شود.
• کلانتر: موسیقی کلانتر درواقع روایت حماسی روبه‌روشدن حق و باطل است که پس از مدتی کلانتر را به قتل می‌رساند. کلانتر به عنوان فردی مبارز در برابر باطل در بین مردم خواف یاد می‌شود.
• میریحیی: این موسیقی در واقع مختص به مردی بزرگ و سید است که مردم خواف ارادت بسیاری به او دارند. نوازندگان و موسیقی‌دانان معروف خواف برای این مرد موسیقی به نام او سروده‌اند.
• یَجما، حَتَن، میریوسف، مناجات، معصومه از دیگر موسیقی‌های معروف شهر خواف محسوب می‌شود. ادوات موسیقی مورد استفاده در موسیقی‌های شهر خواف شامل: دوتار، سورنا و دهل، دایره، بوق نی‌نواز و نی چوپان است.

موسیقی محلی قوچان

موسیقی بومی و محلی قوچان نشان از ذوق و قریحه مردم آن منطقه دارد. اصلی‌ترین ساز شهر قوچان دوتار است که توسط دوتار نوازان نواخته می‌شود. مردم قوچان به افرادی که هم بتوانند شعر بسرایند، بخوانند و بنوازند بخشی‌ها می‌گویند. از افراد معروف و سرشناس موسیقی شهر قوچان می‌توان: حاج حسین یگانه، حاج قربان سلیمانی و احمدقلی احمدی را نام برد. کمانچه، سورنا، دوتار، دهل و نی از ادوات موسیقی شهر قوچان است. موسیقی قوچان به موسیقی کرمانجی هم شهرت دارد.

موسیقی محلی آذربایجان

موسیقی برای مردم آذربایجان مفهوم متفاوتی دارد که با فرهنگ آن‌ها آمیخته شده ‌است. یکی از معروف‌ترین موسیقی‌های بومی ‌آذربایجان، موسیقی محلی عاشیق‌لَر است. در واقع این موسیقی مشهور اثر دست و صدای هنرمندانی به نام عاشیق است. عاشیق‌ها گروه کاملی هستند که از شاعر، خواننده و نوازنده تشکیل می‌شوند. سازی که عاشیق‌ها از آن‌ها استفاده می‌کنند شباهت بسیاری به تار دارد که از نُه سیم تشکیل شده‌ است. از معروف‌ترین و به نام‌ترین عاشیق‌ها رسول قربانی را می‌توان نام برد.

موسیقی محلی لرستان

یکی از علل قابل توجه در مورد زیبایی موسیقی بومی و محلی استان لرستان قرارگیری این استان در دامنه کوهستان است. این قرارگیری به موسیقی بومی ‌و محلی استان لرستان، رنگ و جلوه‌ی خاصی بخشیده‌ است. سازهای موسیقی استان لرستان شامل آلاتی چون سورنا، دهل، کمانچه یا در گویش لری (تال)، تنبک و تنبور می شود. یکی از زیباترین و مشهورترین موسیقی‌های بومی و محلی استان لرستان، موسیقی (دایه‌دایه) است که اثری ماندگار توسط استاد مرحوم سقائی است.

موسیقی محلی کردستان

انواع موسیقی محلی در ایران، موسیقی کردی از آواها و نغمه‌های دل‌انگیزی ساخته شده که چون روحی در هر انسانی دمیده می‌شود. موسیقی بومی‌ و محلی استان کردستان شامل هفت دستگاه (ماهور، شور، نوا، همایون، سه‌گاه، چهارگاه و پنج‌گاه) است. نی، سورنا، نایه، دهل، دف، تنبک، تنبور، کمانچه، دیوان و شِمشال از سازهای مورد استفاده برای نواختن موسیقی بومی و محلی در استان کردستان هستند. از هنرمندان معروف در حوزه موسیقی بومی ‌و محلی این استان می‌توان، شهرام ناظری، احمد کایا، عباس کمندی و… را نام برد.

موسیقی محلی چهارمحال و بختیاری

موسیقی بومی ‌و محلی در استان چهارمحال بختیاری از جایگاه ویژه‌ای برخوردار است. این موسیقی به سه گونه دهکری، بختیاری و ترکی تقسیم می‌شود. ادوات موسیقی بومی و محلی استان چهارمحال بختیاری شامل دهل، سنج، نی، کرنا، طبل و سنتور هستند. از افراد سرشناس در زمینه موسیقی بومی ‌و محلی حیدرآقا و هشفجانی را می‌توان نام‌ برد. موسیقی بومی ‌و محلی این استان برای عروسی، عزاداری، در هنگام کار بر سر زمین کاملا متفاوت است که هر کدام در نوع خود شنیدنی و جذاب هستند.

موسیقی محلی استان اصفهان

موسیقی بومی ‌و محلی استان اصفهان تاریخ بسیار ارزشمندی دارد. در واقع موسیقی بومی ‌و محلی این استان برگرفته از موسیقی‌ محلی در تمام ایران است. از مهم‌ترین سازها در موسیقی استان اصفهان سازهای کوبه‌ای است که این سازها همان دایره و تنبک هستند. در استان اصفهان هم مانند بسیاری از استان‌ها سازهای سورنا، کرنا، دهلف و… مورد استفاده است.

زمان مدیتیشن با موسیقی

مدیتیشن با موسیقی، موسیقی قدرتمند است به این دلیل که توانایی شفابخشی را دارد. و هنگامی که با مدیتیشن همراه شود، می‌ تواند تغییرات مثبت زیادی در وضعیت سلامت شما به ارمغان بیاورد. آیا شما مدیتیشن می‌کنید؟ اگر پاسختان به این سوال مثبت است، احتمالاً مشتاق هستید بدانید که هنگامی که همراه با مدیتیشن به موسیقی گوش می‌سپارید، چه اتفاقی می‌افتد.

بعضی از مردم معتقدند که شنیدن موسیقی در هنگام مدیتیشن حواس افراد را پرت و از جریان مدیتیشن منحرف می‌کند. اما واقعیت دقیقاً برعکس است. گوش دادن به موسیقی، نه تنها قدرت تمرکز را بالا می‌برد، بلکه با آرامش و آسودگی ذهن و بدن شما، به دست‌یابی به تندرستی کلی و همه‌جانبه کمک می‌کند. البته این نمی‌گوید که باید آهنگ‌های هیپ‌هاپ و شش‌وهشتی را گوش داد! بلکه موسیقی مناسب برای مدیتیشن، آرام و آرامش‌بخش است که به مغز کمک می‌کند بهتر تمرکز کند و از این طریق، فواید و مزایای مدیتیشن شما را افزایش می‌دهد. برای کسب اطلاعات بیشتر درباره اینکه گوش دادن به موسیقی در هنگام مدیتیشن چه فوایدی برای بهبود وضعیت سلامتتان دارد، این مقاله را مطالعه کنید.

مزایای گوش ‌سپردن به موسیقی در هنگام مدیتیشن

۱.کاهش استرس

۲. افزایش تمرکز در هنگام مدیتیشن

۳. بهبود رژیم غذایی و هضم و گوارش غذا

۴. داشتن فواید درمانی و شفابخش

۵. حفظ تعادل عاطفی

۶. آسودگی و طراوت بخشیدن به بدن

۷. لذت‌بخش کردن سیر و سیاحت ذهنی

معرفی ساز هنگ درام و ساختار ساز

در این روزها، سازهای مختلفی وارد بازار شده‌اند و بسیاری از هنرجویان علاقه‌مند به یادگیری این سازها هستند. بدون شک، شما هم دربارهٔ ساز هندپن یا هنگ درام شنیده‌اید. شاید این واژه شما را یاد قبایل سرخ‌پوش یا آفریقایی می‌اندازد، اما در حقیقت این ساز توسط دو فرد سوئیسی ابداع شده است. ساز هندپن به عنوان یکی از موفق‌ترین سازهای ابداعی شناخته می‌شود و به تازگی محبوبیت فراوانی در بین مردم پیدا کرده است.

این ساز دارای ویژگی‌های منحصربه‌فردی است و صدایی بسیار متفاوت دارد که توجه هر کسی را به خود جلب می‌کند. به طور خاص، در جلسات یوگا، مدیتیشن و توسط درمانگران مورد استفاده قرار می‌گیرد. در این مقاله، تمام جزئیات دربارهٔ ساز هنگ درام را به صورت کامل توضیح می‌دهیم، تا در صورت علاقه‌مندی، شما هم بتوانید اقدام به یادگیری این ساز فوق‌العاده کنید.

بررسی تاریخچه هنگ درام

همانطور که می‌دانید، ساز هندپن جزء دسته‌ی سازهای کوبه‌ای-ملودیک قرار می‌گیرد. این ساز از دو صفحه با شکل بیضی تشکیل شده است که به صورت کامل قرینه کنار هم قرار می‌گیرند. جنس این ساز از فلز است و شبیه به یک سفینه ی فضایی است. اگرچه ساز هندپن به تازگی وارد عرصهٔ موسیقی شده است، اما ابداع و استفاده از آن به دو دههٔ گذشته برمی‌گردد. جالب است بدانید که اولین آهنگ با استفاده از این ساز در سال 2000 رونمایی شد.

این ساز ارزشمند و منحصربه‌فرد توسط سابینا شارر و فلیکس روهنر ساخته شده است. در آن زمان، جهت حفظ اصالت ساز، این دو مخترع از مشتریان خود نامه‌ای دست‌نویس می‌خواستند تا دلیل خریدشان را توضیح دهند.

همه چیز در مورد ساز هنگ دارم و ساختار آن

این ساز از دو قسمت تحتانی و فوقانی ساخته شده است و از جنس استیل نیتریت است. قسمت بالایی ساز را دینگ می‌نامند که مرکز نت‌ها را تشکیل می‌دهد و با استفاده از چکش، تولید می‌شود. این قسمت حدوداً 7 تا 8 نت را شامل می‌شود. بخش پایینی ساز را هندپن یا گو می‌نامند. این قسمت یک حفره عمیق به شکل لوله دارد و با نواختن لبه‌ها، نت مربوط به حفره تولید می‌شود. ابعاد این ساز قطری 52 سانتیمتر و ارتفاع 24 سانتیمتر دارد. در طول سال‌ها، نسخه‌های مختلفی از این ساز ساخته شده و کیفیت آن بهبود یافته است. نوازندگی این ساز با استفاده از انگشتان دست انجام می‌شود و حتی مبتدیان نیز به راحتی می‌توانند آن را یاد بگیرند. به همین دلیل، روزانه تعداد زیادی از افراد برای به دست آوردن آرامش و یادگیری موسیقی، به ساز هنگ درام مراجعه می‌ کنند.

هنگ درام

نت اصلی یا دینگ (Ding) در ساز هندپن

برای ایجاد صدای بم، باید به سمت نت اصلی یا دینگ برویم. دینگ، که به عنوان پایین‌ترین نت در ساختار نت استفاده می‌شود، ارتباطی با مقیاس نت ندارد و حتی با استفاده از نت‌های ثابت در دو ساز مختلف، می‌توانیم دینگ‌های متفاوتی ایجاد کنیم. برای نوشتن نت دینگ، از یک علامت برای تمایز آن از سایر نت‌ها استفاده می‌کنیم.

D / A C D E F G A

در این مثال، متوجه می‌شویم که دینگ یا نت اصلی در ساز هنگ دارم، نت D یا “ر” در سیستم نت‌های فارسی است.

فضای مشخصی که هر نت بر روی ساز هنگ درام قرار دارد، یک فضای خاصیتی به نام “Tone Field” دارد. این فضا به شکل یک دایره یا بیضی است و بر اساس تحقیقات صورت گرفته در زمینه فرم نت‌ها، شکل بیضی برای Tone Field نت‌های هنگ درام نتایج فوق‌العاده‌ای در مورد حجم، پایداری و انتشار صدا این ساز به ارمغان می‌آورد. همچنین، شکل بیضی افکت‌های بصری فوق‌العاده‌ای را به ارمغان می‌آورد.

توجه داشته باشید که به دست آوردن اندازه صحیح فیلدهای تن (Tone Field) بر روی بدنه ساز بسیار مهم است و هر سانتیمتری از آن اهمیت بسیار زیادی دارد.

تنظیم کردن تیونینگ در نت‌ های ساز

همانطور که می‌دانید، تنظیم و تیون کردن ساز قبل از نواختن آن، مرحله‌ای بسیار مهم است. در واقع، حدود 65 درصد از تلاشی که در تولید ساز هنگ درام صورت می‌گیرد، به این بخش اختصاص دارد.

همه چیز در مورد ساز هنگ درام و تعداد نت ‌ها

در نسخه نرمال این ساز، روی بدنه قوس بالایی 7 نت دیده می‌شود و صفحه بالایی دارای یک نت دینگ است. اما در روزهای اخیر، سازندگان تغییراتی در ساز ایجاد کرده‌اند و تعداد نت‌ها را به 13 عدد افزایش داده‌اند.

گام در ساز هنگ درام (Scales)

سازهایی که دارای نت هستند، از الگوهای خاصی به نام “سکیل” (Scale) پیروی می‌کنند. و بر اساس اصول خاصی عمل می‌کنند. الگوی سکیل، یک سری گام است که فواصل نت‌ ها را مشخص می‌ کند. و ساز نیز از این الگوها پیروی می‌کند و بر اساس چیدمان خاصی نواخته می‌شود.

هنگ درام

چرا هنگ درام گران است؟

متأسفانه، این ساز یکی از گران‌ترین سازهای موجود در جهان است. دلیل این گرانی ممکن است به دلیل زمان بر بودن و پیچیدگی فرآیند تولید آن باشد. همچنین، آلیاژ و فلزی که برای ساخت این ساز استفاده می‌شود، نیاز به فرم‌ دهی دارد و یکی از دشواری‌ های تولید در این ساز، دستیابی به نت‌ها با دقت و صحیح بودن آن‌ها است. این کار معمولاً با استفاده از ابزارها و دستگاه‌های ویژه و با استفاده از چکش انجام می‌شود. به طور کلی، این فرآیند علاوه بر طولانی بودن زمان، نیازمند مهارت، دقت بسیار بالا و منابع زیادی است.

صدای منحصر به فرد در ساز هندپن

تمام افرادی که یکبار به صدای این ساز گوش می‌دهند، آرامش و احساس خاص آن را درک می‌کنند. حضور فراوان هارمونیک در این ساز، باعث ایجاد یک صدای زیبا و بی‌نظیر می‌شود. زمانی که شما یکی از نت‌ها را به صدا درمی‌آورید، بدنه یکپارچه ساز باعث ایجاد لرزش در سایر نت‌ها می‌شود و شما می‌توانید یک صدای گرم و منحصربه‌فرد را بشنوید.

یادگیری این ساز به صورت ابتدایی بسیار آسان است و با تمرین و شناخت نت‌ها، به راحتی می‌توانید آن را فرا بگیرید. در حقیقت، در همان ابتدای یادگیری، شما می‌توانید صدای دلپذیر این ساز را به طرز زیبا و دلنشینی بشنوید و از آن لذت ببرید.

همه چیز در مورد ساز هنگ درام و نحوه نگه داری و مراقبت از آن

با توجه به کار و زحمتی که در ساخت این ساز صرف شده است، باید با دقت و مراقبت بیشتری از آن مراقبت کنید. اگرچه هنگ دارم از فلز ساخته شده است، اما صفحه رویی آن بسیار آسیب‌پذیر است و ممکن است در صورت ضربه شدید از کوک خارج شود. همچنین، به هیچ عنوان در حین نواختن ساز از دستبند یا انگشتر استفاده نکنید، زیرا ممکن است به ساز صدمه وارد شود.

لازم به ذکر است که ساز هنگ درام در برابر دماهای بسیار گرم و سرد حساس است و ممکن است از کوک خارج شود. بنابراین، بهتر است آن را در آب و هوای متعادل نگهداری کرده و از روغن‌های ویژه‌ای که همراه ساز ارائه می‌شوند، استفاده کنید.

متداول ترین نوع ساز هنگ درام

با توجه به اینکه ساز هنددرام کوک ثابتی دارد و نیازی به تنظیم دستی کوک ندارد (بلکه با نت‌هایی که با گام مشخص ساخته شده‌اند قابل نواختن است)، بهتر است هنگام خرید یک کوک مطابق با سلیقه خود تهیه کنید. رایج‌ ترین گام که بسیاری از افراد ترجیح می‌دهند، رِ مینور است، اما باید توجه داشت که انتخاب نوع گام به طور کامل به سلیقه شخصی و انتخابی فرد بستگی دارد.

نکته!

ساز هندپن به صورت سفارشی نیز برای موسیقی‌دانان حرفه‌ای ساخته می‌شود و قادر است تا 16 نت و 2 نت بیس را ایجاد کند.

جمع بندی

در جهان، انواع مختلفی از سازها وجود دارند که هرکدام طرفداران خاص خود را دارند. یکی از این سازها، ساز هنگ درام است که در حال حاضر توجه بسیاری از هنرمندان را به خود جلب کرده است. صدای آرامش بخش و دلنشینی که این ساز ارائه می‌دهد، بسیار مورد توجه قرار گرفته است. در این مقاله، در مورد ساز هنگ درام به طور جامع نوشته شده است.

موسیقی باروک

موسیقی پاپ

اگر با سبک‌ های موسیقی مختلف آشنایید، بدون شک نام سبک پاپ را بارها شنیده‌ اید. این سبک یکی از محبوب‌ ترین و پرطرفدارترین ژانرهای اصلی موسیقی است. و تعداد زیادی هنرمند در این سبک فعالیت می‌ کنند. موسیقی پاپ از اواسط دهه ۱۹۵۰ در انگلستان و آمریکا شروع به شهرت یافت و در مدت کوتاهی توانست توجه بسیاری را به خود جلب کند. اگر قصد یادگیری یکی از سبک‌های موسیقی را دارید، در این مطلب ما را همراهی کنید تا با ویژگی‌های موسیقی پاپ آشنا شده و با دید گسترده‌ تری در مورد انتخاب سبک اقدام کنید.

لازم به ذکر است که در دهه ۱۹۶۰، موسیقی پاپ و موسیقی راک به جای یکدیگر در استفاده قرار می‌ گرفتند و تا حدی اشتراکاتی از سبک‌های مختلف مانند راک، جاز و بلوز را هم شامل می‌شدند. اما با گذشت زمان، تمایزهایی بین سبک‌های مختلف برقرار شد و آنها به سبک‌های جداگانه تبدیل شدند.

ویژگی های موسیقی پاپ

در اینجا به منظور به دست آوردن یک درک جامع تر و چشم‌اندازی وسیع‌تر از تفاوت‌های دو سبک موسیقی را بررسی می‌کنیم. در نظر داشته باشید که آشنایی جامع با ویژگی‌های این دو سبک به شما کمک خواهد کرد تا به صورت کامل با آنها آشنا شوید. در زیر، ویژگی‌های این دو سبک را بررسی می‌نماییم:

۱. سبک موسیقی پاپ:

• متمرکز بر روی آهنگ‌ها و ملودی‌های قوی و آوازهای طنین‌دار.
• تاکید بر موضوعات عاطفی، عشق، زندگی شهری و روابط انسانی.
• توجه ویژه به قابل رقابت بودن و پذیرفته شدن در بازار موسیقی.
• استفاده از تکنولوژی و صداهای الکترونیکی برای تولید صداهای نوآورانه.
• استفاده از ریتم‌ها، ضرب‌ها و آرانژمان‌های شاد و جذاب.

۲. سبک موسیقی راک:

• تمرکز بر روی موسیقی سنگین، قدرتمند و انرژی‌بخش با استفاده از گیتارهای الکتریکی و درام‌های پرقدرت.
• شرایط اجتماعی، سیاسی و فرهنگی را در بردارد و به عنوان وسیله‌ای برای بیان اندیشه‌ها و سخنگویی درباره مسائل اجتماعی استفاده می‌شود.
• تمرکز بر استعراض، اعتراض، افکار بلندمدت و موضوعاتی مانند آزادی و تغییرات اجتماعی.
• استفاده از ریتم‌های سریع و قوی، سولوهای گیتاری شیدایی و صداهای غلظت‌زا.
• تمایل به اجراهای زنده و پرشور بر روی صحنه.

با آشنایی به این ویژگی‌ها، می‌توانید دید گسترده‌تری نسبت به تفاوت‌ها و چشم‌اندازهای متفاوت این دو سبک موسیقی را بدست آورید.

نداشتن مخاطب خاص

سبک هایی نظیر فولک، کلاسیک و بومی مختص جغرافیای خاصی هستند و تنها عده خاصی از مردم به آن گوش می دهند؛ اما سبک پاپ بدون وابستگی خاص به جغرافیا و مکان برای تمامی افراد جذاب و گوش نواز است.

موسیقی پاپ

بدون پیچدگی و آزادی عمل

دلیل محبوبیت سبک پاپ و سادگی آن که می‌تواند جذب افراد با تمام سلیقه‌ها باشد، بیان می‌ شود:

یکی از دلایل اصلی پرطرفداری و محبوبیت سبک پاپ، سادگی آن است. این سبک موسیقی به دلیل عدم داشتن هارمونی‌های پیچیده، قابل فهم و آسان است. این سادگی باعث می‌شود که پاپ قادر به ارائه آزادی عمل بیشتری باشد و به همین دلیل افراد زیادی با تمام سلیقه‌ها می‌توانند از آن لذت ببرند.

پاپ با آهنگ‌ها و ملودی‌های قوی و آوازهای طنین‌دار خود، به راحتی درک و استرس کمتری را برای شنوندگان به ارمغان می‌آورد. متن‌های پاپ نیز بیشتر در مورد عشق، زندگی شهری و روابط انسانی هستند که موضوعاتی جذاب و قابل ارتباط با بسیاری از افراد هستند.

علاوه بر این، پاپ به صورت گسترده در صنعت موسیقی و بازار موسیقی تجاری تولید می‌شود. این سبک موسیقی بیشتر به عنوان یک سازماندهی کسب و کار در نظر گرفته می‌شود و در نتیجه توجه ویژه‌ای به پذیرش و محبوبیت در بین مخاطبان دارد.

با توجه به این ویژگی‌ها، سبک پاپ به آسانی می‌تواند تمامی افراد با سلیقه‌ها و سنین مختلف را جذب کند و باعث شود که ارتباط گسترده‌تری بین افراد برقرار شود.

دارای طول قطعاتی کوتاه

قطعات موسیقی پاپ، به علت اینکه بسیار کوتاه و محدود هستند، نمی‌شوند، به همین دلیل افراد با گوش دادن به آن‌ها حس بسیار خوبی را تجربه می‌کنند. در واقع، در بسیاری از موارد، قطعات پاپ از 32 میزان بیشتر نمی‌شوند، اما این محدودیت، به جذابیت آنها افزوده می‌ کند.

مدولاسیون و گام

برای جلوگیری از یکنواختی و خستگی در موسیقی، از تغییر مدولاسیون و گام‌ های بسیار کوچک استفاده می‌ شود. این استراتژی به طور کلی جلوی تکرارهای خسته کننده و ناخوشایند را می‌ گیرد.

غمگین بودن

بر اساس پژوهشی که صورت گرفته است، مشاهده شده است که در طی سال‌های گذشته، موسیقی پاپ در حالت کلی به سمت بیشتر نمایش دادن احساسات غمگین متمایل شده است. به عبارت دیگر، ریتم و ملودی‌های شاد و قابلیت رقصیدن در موسیقی پاپ به صورت بسیار کمتری یافت می‌شود.

تاثیر ریتم

یکی از عوامل مهم و سازنده در پاپ ریتم بوده و یک قطعه پاپ در اکثر موارد توسط دو گروه مختلف ساز نواخته می شود، به عنوان مثال کیبورد و یا پیانو به همراه ساز گیتار برای ایجاد آهنگی دل نشین و پاپ به کار می رود.

تاریخچه موسیقی پاپ

سال 1960

در سال 1960 موسیقی پاپ محبوبیت بسیار زیادی در میان افراد به خصوص جوانان به دست آورد و در آن زمان با رونمایی از رادیوهای قابل حمل، دسترسی به موسیقی در میان جوانان بیشتر شد؛ سپس این سبک در سواحل کالیفرنیا توسط گروه های موسیقی مانند پسران ساحل روی کار آمد. در این دوران گروه راک و پاپ انگلیس به صورت کاملا محسوسی موسیقی پاپ آمریکا را تحت تاثیر قرار داد و گروهی انگلیسی به اسم بیتلز که در زمینه پاپ فعالیت می کرد، در این دوره توانست انقلابی عظیم در موسیقی پاپ به وجود آورد و بتواند تا سالیان سال به صورت محبوبی در بین افراد وجود داشته باشد. این آلبوم به عنوان پرفروش ترین آلبوم در دنیا به شمار می رود.

موسیقی پاپ

سال 1970

در دهه‌ی ۱۹۷۰ شاهد برخی از ویژگی‌های جالب موسیقی پاپ بودیم. در این دوران، سبک‌های فرعی از پاپ بوجود آمد که با سایر سبک‌ها مانند راک و سایر سبک‌ها ترکیب شد و یک سبک جدید و پرطرفدار به وجود آورد. در این زمان، گروه‌هایی مانند چیپ تریک و رمانتیک ها به موسیقی پاپ مشغول شدند. همچنین، سبک کانتری نیز یکی دیگر از سبک‌های رایج در آن دوره بود که در زیرمجموعه‌ی پاپ قرار می‌گرفت. خوانندگانی مانند التون جان، گروه جکسون و … در دهه‌ی ۷۰ فعالیت خود را آغاز کردند و بین مردم به محبوبیت رسیدند.

سال 1980

در دهه‌ی مورد نظر به دلیل رواج فناوری ضبط دیجیتالی در صنعت موسیقی، موسیقی پاپ به شدت رشد کرده و اثراتی که با استفاده از ابزارهای الکترونیکی ایجاد می‌شد، به سبک نوینی تبدیل شد. بدون شک، نام “مایکل جکسون” به عنوان پادشاه موسیقی پاپ به گوش شما رسیده است. وی با انتشار موزیک ویدئوی اهنگ “تریلر”، در کتاب گینس به عنوان موفق‌ترین آهنگ ثبت شده است.

سال 1990

در این دوره نیز موسیقی پاپ از شهرت زیادی برخوردار بود و خواننده هایی مانند بریتنی اسپیرز توانسته بودند در این سبک فوق العاده بدرخشند.

سال 2000

اگر بخواهیم به خواننده های اروپایی و آمریکایی این دهه اشاره کنیم، افرادی مانند ریحانا، لیدی گاگا و…. را می توانیم نام ببریم.

• سبک های فرعی پاپ
• راک پاپ
• پاپ رپ
• سینث پاپ یا تکنو پاپ
• پانک پاپ
• کانتری پاپ
• پاور پاپ
• پاپ پروگرسیو یا پیشتاز

کلام آخر

موسیقی پاپ به عنوان یکی از سبک‌های محبوب و پرطرفدار در نظر گرفته می‌شود. این سبک اصالت خود را از دهه ۱۹۶۰ در کشورهای اروپایی به دست آورده و با گذر زمان با سبک‌های متنوعی مانند راک ترکیب شده و به صورت مدرن‌تری مطرح شده است. در این مقاله ویژگی‌های اساسی موسیقی پاپ را به طور خلاصه بررسی کرده‌ایم. در صورتی که شما قصد یادگیری یک ساز و انتخاب یک سبک موسیقی دارید، می‌توانید با توجه به این موارد، سبک پاپ را انتخاب کنید. البته اگر این سبک با سلیقه شما مطابقت ندارد، می‌توانید به سایر سبک‌ها روی آورید.

بهترین گیتاریست های جهان

معرفی بهترین گیتاریست های جهان، شناختن بزرگترین گیتاریست تاریخ امری دشوار است و بسیاری تلاش کرده‌ اند تا در دهه‌های اخیر لیست‌های مختلفی از بزرگان گیتار را ترتیب بندی کنند، که از طریق نظرسنجی‌ های عمومی و تحلیل متخصصانه صورت گرفته‌ اند. در تیم ما اخیراً ده لیست از این دست را مورد بررسی قرار دادیم که در وب‌سایت‌هایی مانند Rolling Stone، Louder، Guitar World و همچنین گروه‌های صنعتی مانند WatchMojo و UDiscover Music و جوامع آنلاین گیتار، از جمله Guitar Habits منتشر شده است.

هر کسی علاقمند به گیتاریست شدن است، اما تعداد اندکی از افراد موفق به تسلط کامل بر این ساز زیبا شده‌اند و در محیط موسیقی احترام برای خود جلب کرده‌اند. امروزه تعداد زیادی گیتاریست در حوزه نواختن و آموزش این ساز فوق‌العاده فعالیت می‌کنند. در این مقاله، قصد داریم گروهی از برترین گیتاریست‌ های جهان در سبک‌های مختلف را به شما معرفی کنیم که در دنیای گیتار شناخته شده‌اند. پس با ما همراه باشید تا با تعدادی از این گیتاریست‌های مشهور و سبک زندگی آنها بیشتر آشنا شوید.

جیمی هندریکس Jimi Hendrix

جیمی هندریکس که به عنوان یکی از خلاق ترین و تأثیرگذارترین نوازندگان قرن بیستم شناخته شد ، پیشگام امکانات انفجاری گیتار الکتریک بود. سبک ابتکاری هندریکس در ترکیب فازی ، بازخورد و اعوجاج کنترل شده ، شکل موسیقی جدیدی ایجاد کرد. از آنجا که او قادر به خواندن و نوشتن موسیقی نبود ، نکته جالب توجهی نیست که رشد زیاد جیمی هندریکس در موسیقی فقط در مدت چهار سال اتفاق افتاد. زبان موسیقی او همچنان بر تعداد زیادی از نوازندگان مدرن ، از جورج کلینتون گرفته تا مایلز دیویس ، و استیو وای تا جونی لانگ تأثیر می گذارد.
جیمی هندریکس روز 27 نوامبر 1942 ، در بیمارستان سیاتل کینگ کانتی، به دنیا آمد. بعدا توسط پدرش جیمز “آل” هندریکس به جیمز مارشال تغییر نام یافت. جیمی جوان به موسیقی علاقه مند شد و تقریباً از همه هنرمندان بزرگ آن زمان تأثیر گرفت، از جمله B.B. King ، Muddy Waters ، Howlin ’Wolf ، Buddy Holly و Robert Johnson. به طور کامل خودآموخته ، ناتوانی جیمی در خواندن موسیقی موجب شد تا او تمركز بیشتری روی موسیقی شنیده شود.

در تابستان سال 1958، آل جیمی گیتار آکوستیک دست دوم پنج دلاری را از یکی از دوستانش خریداری کرد. اندکی بعد از آن، جیمی به اولین گروه موسیقی خود ، The Velvetones پیوست. پس از سه ماه حضور در جمع ، جیمی برای پیگیری منافع خود آنجا را ترک کرد. تابستان سال بعد ، آل جیمی اولین گیتار الکتریکی خود را خریداری کرد.
جیمی پس از ترخیص از جراحتی که هنگام پرش با چتر نجات دریافت کرد ، به عنوان گیتاریست جلسه با نام جیمی جیمز شروع به کار کرد. در پایان سال 1965 ، جیمی با چندین اقدام خیمه شب بازی از جمله ایک و تینا ترنر ، سام کوک ، برادران ایسلی و ریچارد کوچک بازی کرده بود. جیمی برای تشکیل گروه خودش ، جیمی جیمز و بلو فلامس ، از Little Richard جدا شد و نقش گیتاریست back-line را برای کانون توجه گیتار سرب از بین برد.

هندریکس

اگرچه هندریکس موفقیت چشمگیری را در انگلیس تجربه کرد. تا اینکه در ژوئن 1967 به آمریکا بازگشت که با اجرای آتش افروزانه “چیز وحشی” جمعیت را در جشنواره بین المللی پاپ مونتری برافروخت. به معنای واقعی کلمه یک شبه به یکی از محبوب ترین و پردرآمدترین تورهای تورهای جهانی تبدیل شد. با پیشرفت 1970، جیمی درامر میچ میچل را به گروه آورد و همراه با بیلی کاکس باس ، این سه گانه جدید بار دیگر تجربه جیمی هندریکس را تشکیل داد. در استودیو ، گروه چندین قطعه برای دو مجموعه LP دیگر ضبط کرد که به طور آزمایشی عنوان First Rays Of The New Rising Sun است. متأسفانه، هندریکس به علت برنامه های پرتحرک تورهای جهانی، و سپس مرگ غم انگیز در 18 سپتامبر 1970 ، قادر به دیدن این دیدگاه موسیقی نبود. و مهندس اصلی استودیو ، ادی کرامر، در اکران 1997 ، اولین اشعه های جدید طلوع آفتاب.
جیمی هندریکس از ضبط های آزمایشی گرفته تا استادان تمام شده، در طول زندگی کوتاه خود مجموعه ای شگفت انگیز از آهنگ ها ایجاد نمود. موسیقی جیمی هندریکس تحت تأثیر تأثیرات بلوز، تصنیف، راک ، R&B و جاز مجموعه ای از سبک ها بود که هندریکس را به یکی از محبوب ترین چهره های تاریخ موسیقی راک تبدیل می کند.

معرفی بهترین گیتاریست های جهان

جیمز پاتریک پیج Jimmy page:

جیمز پاتریک پیج در هستون، حومه لندن متولد شد، اما در هشت سالگی ، با خانواده اش به اپسوم ، نقل مکان کرد. در خانه جدید ، او یک گیتار آکوستیک پیدا کرد که توسط صاحب خانه قبلی رها شده بود. محبوبیت الویس پریسلی انگلیسی ، لونی دانگان ، جیمی جوان را به استفاده از گیتار تحریک کرد. وی با کمک یکی از دوستان مدرسه ای و راهنماهای راهنمایی ، برای تسلط بر این ساز ، با تقلید استادانه از اسکاتی مور و جیمز برتون ، و نوازندگان بلوز ، المور جیمز و بی بی کینگ ، برای تسلط بر این ساز ، شروع به کار کرد. پیج جوان با استفاده از اسکیفل – نوعی موسیقی روزمره در آمریکا – برای تشکیل گروهی با برخی از نوجوانان بزرگ ترازخودش در سن 13 سالگی ، با گروه خودش در برنامه BBC All All Your Own حضور داشت. اما موسیقی به زودی در میان علاقه های او مقام اول را کسب کرد. او در گوشه و کنار خیابان ها، در کلوپ های اجتماعی، هرجایی که می توانست مخاطب پیدا کند بازی می کرد.

پس از ترک مدرسه، پیج به یک گروه تور، نیل کریستین و صلیبیون پیوست ، و اولین ضبط تجاری خود را در 18 سالگی در تک آهنگ صلیبی ها با نام “راه عشق” انجام داد. فعالیت پیج جوان به عنوان یک نوازنده دوره گرد توسط مونونوکلئوز کوتاه شد. با کنار گذاشتن تحصیلات هنری و تعهدات اجرای زنده خود، جیمی پیج به عنوان یک نوازنده تمام وقت استودیویی تبدیل شد. و هر روز شش جلسه در هفته سه جلسه بازی می کرد. جیمی پیج دو بار در سال 1992 به عنوان عضوی از The Yardbirds و در 1995 با Led Zeppelin وارد تالار مشاهیر راک اند رول شده است.

در سال 2005 ، پیج به دلیل تقدیر از خدمات خود به امور خیریه، به عنوان افسر سفارش امپراتوری بریتانیا انتخاب گردید. زمانی که پیج، پلانت، جونز و جیسون بونهام در سال 2007 یک کنسرت خیریه یک شبانه در Arena لندن اجرا نمودند. محل برگزاری 20 میلیون درخواست بلیط دریافت نمود. در مراسم اختتامیه بازیهای المپیک 2008 در پکن، پیج سوار بر یک کامیون دو طبقه برای بازی وارد استادیوم شد. در سال 2012 ، پیج و هم گروهان وی به رهبری زپلین در مراسمی در کاخ سفید افتخارات مرکز کندی را از رئیس جمهور باراک اوباما دریافت کردند. پس از بیش از نیم قرن ساخت موسیقی ، جیمی پیج همچنان به میراث Led Zeppelin علاقه مند است زیرا نسل های جدید موسیقی او را می یابند و نوازندگان در هر سنی که مطالعه می کنند و از کارهای او می آموزند تا بیان موسیقی خود را دنبال کنند.

معرفی بهترین گیتاریست های جهان

اریک پاتریک Eric Clapton

اریک پاتریک کلپتون در 30 مارس 1945 در خانه پدربزرگ و مادربزرگ خود در انگلیس متولد شد. وی پسر پاتریشیا مولی کلپتون 16 سالهو ادوارد والتر فرایر ، یک سرباز 24 ساله کانادایی مستقر در انگلیس بود. اریک در یک خانه موسیقی بزرگ شد. مادربزرگش پیانو می زد و دایی و مادرش هر دو از گوش دادن به صدای گروه های بزرگ لذت می بردند. بعداً پت به زندگینامه نویس رسمی اریک ، ری کلمن ، گفت که پدرش نوازنده ای با استعداد بود و در چندین گروه رقص در منطقه ساری پیانو می نواخت.
اوبعدازمشکلات خانوادگی پیش آمده، افسرده شد و دیگر به مدرسه نرفت.

اریک در مهمترین آزمون مدرسه شرکت نکرد. او به مدرسه مدرن سنت بید فرستاده شد و دو سال بعد ، وارد شاخه هنر مدرسه Holyfield Road شد. اریک روزهای ابتدایی خود را با شلوغی موسیقی در اطراف ریچموند و کینگستون گذراند و او همچنین گذراندن وقت خود را در لندن و وست اند آغاز کرد. در اوایل سال 1963 ، اریک 17 ساله به اولین گروه خود ، The Roosters پیوست.

پس از مرگ گروه در آگوست 1963 ، او یک ماه را در پاپ گرا کیسی جونز سپری کرد. قبل از روی آوردن به موسیقی به عنوان شغل تمام وقت ، او به عنوان کارگر در محل های ساخت و ساز از زندگی خود رامیگزراند و در کنار پدربزرگش ، آجرکاری و گچ بری کار می کرد. در اکتبر 2007 ، زندگینامه اریک منتشر شد. Clapton – کتاب زندگینامه او به دوازده زبان ترجمه شد و در لیست پرفروش ترین ها در سراسر جهان قرار گرفت.

رابرت جانسون Robert Johnson

معرفی یکی دیگر از بهترین گیتاریست های جهان، رابرت جانسون یکی از بزرگترین مجری های بلوز در تمام دوران ها محسوب می شود. از جمله آوازهای وی می توان به “I Believe I’ll Dust My Broom” و “Sweet Home Chicago” اشاره کرد که به استاندارد بلوز تبدیل شده است وی در 27 سالگی به عنوان مظنون قربانی مسمومیت عمدی درگذشت. رابرت جانسون نوازنده در 8 مه 1911 در هازلهورست، می سی سی پی متولد شد. جانسون ، خواننده و گیتاریست ، یکی از بزرگترین نوازندگان بلوز در تمام دوران ها به حساب می آید. اما این شناخت عمدتا پس از مرگش به او رسید.
جانسون در طول کار کوتاه خود ،در هر جایی که می توانست بازی و به اطراف سفر می کرد. تحسین آثار جانسون بر اساس 29 ترانه ای است که وی از سال 1936 تا 1937 در دالاس و سان آنتونیو نوشت و ضبط کرد. این آهنگ ها شامل “I Believe I’ll Dust My Broom” و “Sweet Home Chicago” است که به یک بلوز تبدیل شده است. استاندارد آهنگ های وی توسط مودی واترز ، المور جیمز ، رولینگ استونز و اریک کلپتون ضبط شده است. جانسون مورد توجه بسیاری از موسیقی دانان قرار گرفت و با انتشار مجدد آثار خود در دهه 1960 طرفداران جدید را به خود جلب کرد. مجموعه گذشته نگر دیگری از ضبط های وی که در دهه 1990 منتشر شد. میلیون ها نسخه فروخت. اما بیشتر زندگی جانسون در هاله ای از رمز و راز است.

بخشی از اسطوره های ماندگار پیرامون او، داستانی است در مورد چگونه استعدادهای موسیقی خود را با معامله با شیطان به دست آورد: Son House، نوازنده مشهور بلوز و معاصر جانسون، پس از به دست آوردن شهرت جانسون ادعا کرد که او نوازنده متناسب سازدهنی است. اما یک گیتاریست وحشتناک – یعنی تا زمانی که جانسون برای چند هفته در کلارکسدیل، می سی سی پی ناپدید شد. افسانه ها حاکی از آن است که جانسون گیتار خود را به چهارراه بزرگراه های 49 و 61 برده و در آنجا با شیطان معامله ای انجام داده که در عوض روح گیتار خود را دوباره راه انداخت.
به طرز عجیبی جانسون با تکنیکی چشمگیر بازگشت و سرانجام به عنوان استاد بلوز شهرت یافت. گرچه گزارش “معامله با شیطان” وی بعید است ، اما درست است که جانسون در سنین جوانی درگذشت. جانسون فقط 27 ساله بود. در 16 آگوست 1938 به عنوان قربانی مظنون مسمومیت عمدی درگذشت. چندین فیلم و مستند سعی کرده اند این افسانه معمایی بلوز را روشن کنند.